martes, 30 de noviembre de 2010

MI AMIGO... JOEL PETER WITKIN

Fotógrafo Estadounidense, que hace que los monstruos y los cadáveres sean arte, porque para él "la vida misma es una fotografia". Nacido en Nueva York en 1939,hijo de padre judio y madre italiana católica practicante, el fue educado como católico. Tiene un hermano gemelo que es pintor, para el que llevó algunas imágenes de personas deformes (un hermafrodita, un hombre con tres piernas y una enana gallina) que él utilizó en sus cuadros, más de una vez han expuesto juntos, por ejemplo en 1986 en Chicago. El padre abandonó tempranamente a la familia y él casi no tuvo relación con él, a pesar de que éste, cuando Witkin tenia apenas unos cinco años le mostraba fotos extrañas.

Frase célebre: 

"Cualquier buen artista hace una apología y un intento de explicar el tiempo en el que vive" 





Su fotografía utiliza montajes muy elaborados, de composiciones complejas, a veces, difíciles de comprender. Witkin trabaja con los negativos como si fueran una escultura, los raya produciendo del lado de la emulsión rayas negras en el positivo y del lado de la gelatina producen rayas blancas en el positivado. Raspa los negativos, los destruye hasta que consigue esa infernal imagen que a muchos tiende a choquear. Siempre muy sombríos, sus trabajos producen sensaciones extrañas tanto de rechazo como de desconcertante atracción.utiliza una iluminación excelente para consegir un contraste adecuado en la fotografia.Dedica horas y horas al proceso de revelado consiguiendo efectos increibles con técnicas de laboratio y manipulando la imagen con acidos y oxidos para el resultado final.

                                        
Una de sus obras más conocidas es la de el beso.


 


Witkin comentaba esta imagen de esta manera:

"(lo de la cabeza) pasó cuando yo tenia 7 y no 6 años, estaba con mi madre y mi hermano gemelo. Íbamos a la iglesia y hubo un accidente de coche muy grande. En realidad ellos no vieron lo que yo, mi madre sólo intentaba ayudar. Me dijeron después que lo que vi era en realidad una pelota que salió rodando de uno de los coches. Era un espectáculo de terrible violencia y quizás más tarde, en un estado de sueño en mi interpretación de esto esa pelota se convirtió en una cara.
Esto para mí tiene mucha mas relación con mi trabajo: cuando tenía cuatro o cinco años me senté en el regazo de mi abuela que era muy religiosa y estaba rezando el rosario. Yo sostuve el crucifijo y me lo quedé mirando. Ella paró porque se dio cuenta de mi interés, me volví a ella y dije: cuando sea mayor quiero trabajar en la fábrica de crucifijos y yo me encargaré de ser el que clave a la persona a la cruz.
Más tarde, cuando ya era adolescente, mi abuela tuvo un accidente y su pierna se empezó a cangrenar. Cuando me levantaba, la casa se llenaba con ese olor a café y la pierna de mi abuela, y acabé asociando el dolor con el amor."  


Francisco Javier Quesada Plaza   2º DE FOTOGRAFIA GRUPO  "B"

lunes, 29 de noviembre de 2010

Julian Germain y Dulce Equis Negra


For every minute you are angry you lose sixty seconds of happiness, 2005

Julian Germain



Este es uno de los autores que hemos visto hoy en clase, el resto del proyecto  y otros proyectos podéis verlos en su web:

Y si queréis información sobre la revista argentina donde aparece su obra y otras de otros fotógrafos:

Buscador: Dulcexnegra o dulce equis negra, parece que su web no funciona, pero si hay enlaces a editoriales donde podéis verlas...

Ciao



viernes, 26 de noviembre de 2010

Mi amigo... Andy Goldsworthy

"Una de las bellezas del arte es que refleja la vida entera de un artista"


Andy Goldsworthy (nacido el 26 de julio de 1.956) es un escultor, fotógrafo y ambientalista británico que vive en Escocia. Produce obras de "Land-Art", situadas en entornos naturales y urbanos. Su arte consiste en el uso de los recursos naturales y objetos encontrados, a fin de crear esculturas tanto temporales como permanentes, que destaquen el carácter de su entorno.


Los materiales utilizados en el arte de Goldsworthy a menudo incluyen flores de colores brillantes, carámbanos, hojas, barro, piñas de pino, nieve, piedras, ramas y espinas.
La fotografía juega un papel crucial en su arte, debido a su estado a menudo efímero y transitorio.



Goldsworthy estudió arte en Bradford College of Art (1.974-1.975) y en el Politécnico de Preston (1.975-1.978) (en la actualidad la Universidad de Central Lancashire) en Preston, Lancashire, recibiendo su Licenciatura en Artes.



Después de salir de la universidad, Goldsworthy vivió en Yorkshire, Lancashire y Cumbria. En 1.985 se trasladó a Langholm en Dumfries y Galloway, Dumfriesshire, Escocia, y un año más tarde a Penpont. 
En 1.993 le fue conferido un doctorado honoris causa por la Universidad de Bradford. Él es el tema del documental "Ríos y Mareas", dirigida por Thomas Riedelsheimer.
 
 


Realizado por: Rocío Lozano

viernes, 19 de noviembre de 2010

Foto nocturna

Rocío Lozano



Mari Carmen Segura


Jose Veiga


Plaza


Fran Ortega



Estas fotos son una muestra de cada reportaje, hay muchas más...

Dialogo de imagenes (III - El retorno)

Noemí Genaro

Rocío Lozano


Javi Martínez Bravo


                             FRAN ORTEGA

      Esta fotografía posee los siguientes criterios con respecto a la fotografía anterior
  • Perspectiva:  Linea de fuga.
  • Punto:  El detalle del final barrote. (La forma en semi-espiral del perro coincide con la hoja, aunque cambia del blanco al negro).
  • Lineas:  Rectas, continuas y diagonales.
  • Formas:  Lineas rectas , junto con manchas y formas muy desiguales.
  • Deformación: La propia del efecto de profundidad en el plano.
  • Iluminación: En clave baja.
  • Ritmo: En la combinación de barrotes y lineas amarillas en la pintura.
por Fran Ortega

miércoles, 17 de noviembre de 2010

Diálogo de imágenes II




Noemí Genaro

Rocío Lozano


Javi Martínez Bravo


Ésta fotografía posee los siguientes criterios con respecto a la fotografía anterior:
  • Formato:  Horizontal.
  • Enfoque:  En toda la escena ( gran profundidad de campo).
  • Perspectiva:  Linea de fuga.
  • Punto:  El centro de atención es el perro, y mas dentro del circulo.
  • Lineas:  Rectas, continuas y diagonales.
  • Formas:  Básicas y geométricas ( circulo, rectángulo) y la figura del perro blanco.
  • Deformación: La propia del efecto de profundidad en el plano.
  • Textura: El material de las losas de la calzada.
  • Color: Tonos grises, principalmente desaturados, excepto el golpe de color rojo prohibitivo en el centro.
  • Contraste: Tanto de formas como de tonos.
  • Iluminación: En clave baja.
  • Tema: Perros y perradas.
  • Ritmo: Repetición de las losas en el suelo.
  • Simbolismo:  Los animales sometidos por el humano. También el circulo rojo es un símbolo universal.
por Javi Martinez Bravo

lunes, 15 de noviembre de 2010

Mi amigo... Jean Sieff

                                                                   Jean Sieff

"¿Es la fotografía un arte? ¡Pues no! La fotografía no es un arte, pero Kertesz es un artista; la pintura no es un arte, pero Bonnard fue un artista; la música no es un arte, pero Erik Satie será siempre un artista."


De padres polacos, Jean-Loup Sieff (París, 30 noviembre de 1933) empieza a interesarse en la imagen y a a los 14 años tiene ya su propio laboratorio de revelado. Publica su primera foto a los 17 en Photo-Revue. Cinco años más tarde, tras realizar estudios de fotografía en una escuela de París y en Vevey (Suiza), la revista "Elle" lo contrata para retratar a jóvenes celebridades.





Atraído por el reportaje trabaja en la mítica agencia Mágnum de 1958 a 1959 y cubre para ella los funerales del Papa Pío XII. Pero Sieff es ajeno al complejo de inferioridad que sufrirían muchos fotógrafos de moda en los años 60 y su asociación con la agencia es breve. Después de ganar el premio Niepce en 1959, vuelve a la prensa femenina, esta vez a "Jardín des Modes".



Frente a Jean-Loup Sieff posaban en pleno apogeo las modelos más bellas y los artistas más emblemáticos de la época, desde Alfred Hitchcok a Yves Saint Laurent, Catherine Denauve, Yves Montand, etc. El fotógrafo buscaba a la persona que hay detrás de la imagen, sus retratos rebosaban humanidad con una punta de humor sin malicia.



Amante del viaje y de la aventura, claustrofóbico por naturaleza, a Sieff le fascinaban los horizontes y los desiertos; las líneas rectas, pero también las curvas. Cuando le preguntan qué parte del cuerpo prefiere, respondía pícaramente y sin dudarlo: "El trasero porque, como las esculturas de Brancusi, un bonito trasero necesita ser acariciado". Admiraba tanto a los pintores como a los fotógrafos y, entre estos últimos, especialmente a Bill Brandt y a Richard Avedon. Jean-Loup Sieff falleció en la ciudad que lo vió nacer y hacer sus primeros trabajos el 20 de septiembre del 2000 .


Carla Rayo

 

jueves, 11 de noviembre de 2010

Mi amigo... W. Eugene Smith

William Eugene Smith

William Eugene Smith, reportero fotográfico, nació en Wichita (Kansas) en 1918 y falleció en Tucson (Arizona), en 1978


 "La humanidad tiene más valor que una imagen de la humanidad que sólo sirve para su explotación"



Ese era el credo de Eugene Smith, acreedor de muchos méritos gracias al extraordinario compromiso político y social de sus reportajes fotográficos.




Smith Realizó sus primeras fotografías en 1933 y las vendió algún tiempo después a algunas revistas. En 1936 recibió una beca para estudiar fotografía en la Universidad de Notre Dame, en Indiana. Seguidamente se trasladó a Nueva York, donde fué discípulo de Helene Sandors en el Instituto de Fotografía.

Entre 1937 y 1938 trabajó como reportero gráfico para Newsweek y más tarde trabajó como fotógrfo independiente para la agencia Black Star.

De 1939 a 1942 trabajó bajo contrato para Life. Durante la II guerra mundial fué corresponsal de la guerra en el pacífico sur, donde pudo realizar -a costa de una grave herida de obús- algunas de sus imágenes más impresionantes. Una vez finalizada la guerra retornó a Life. 


 Smith contribuyó al nacimiento de un género autónomo: el ensayo fotográfico. Desde ese punto de vista, uno de sus reportajes más célebres es una serie de fotografías sobre una aldea española, publicado en Life en 1951.

 


Smith abandonó Life en 1955 para ingresar a Magnum, donde permaneció hasta 1959.


El Centro Internacional de Fotografía de Nueva York, otorga desde 1980 la beca W.Eugene Smith Memorial Fund, en recuerdo del profundo compromiso humano del artista. 
 
por Gabriel Rega

martes, 9 de noviembre de 2010

Mi amigo... Duane Michals


DUANE MICHALS
    " La realidad no me interesa en absoluto. Prefiero vivir en un mundo irreal, me parece más estimulante" 



                      Duame Michals, es un fotógrafo americano que acredita su fama y su singular mirada a la        falta  de educación formal como fotógrafo, un autodidacta, es uno de los máximos esponentes de la        fotografía conceptualy filosófico, también sugería ambientes surrealistas.  En sus primeras fotografías se deja llevar por la inspiración de sueños, temores y deseos, utilizando la técnica de doble y triple exposición, y por la incorporacióm de pequeños manuscritos que reforzaban el significado de las fotografías.


 




Su fotografía destacó en los años setenta por sus secuencias.




También trabajo en la edición del trabajo gráfico de algunos discos musicales, por ejemplo la portada del disco Synchronicity de The Police.


Por : Mary Carmen Rodríguez

viernes, 5 de noviembre de 2010

Mi amigo... Raymond Depardon

Raymond Depardon

"Hay que tener una energía increíble para creer en el ser humano"


   Es un fotógrafo y cineasta francés fundador de la agencia gamma. Su fotografía es de reportajes y su cine es documental, suele tratar temas sociales. Sus fotografías son limpias y en ellas suelen aparecer varias escenas dentro de la misma foto. Al mezclar varias escenas dentro de la misma foto la fotografía se enriquece mucho en su significado, pues es como si comparase las varias escenas. Él intenta captar la realidad y mostrar al mundo sus imágenes para que todos vean esa "realidad", para ello ha tenido viajar y hacer reportajes en países muy diversos.




También ha dedicado gran parte de su obra a documentar el interior de hospitales psiquiátricos. En estos trabajos más que documentar la locura, documenta cómo funcionan los hospitales y la relación entre todos los personajes que hay en ellos. Depardon intenta no hablar con los que están siendo grabados, lo hace sólo cuando se dirigen a él directamente. Es interesante observar como cada persona ve a la cámara de una manera diferente en el cine de Depardon, algunos la ignoran, otros la ven como una amenaza, otros la usan para "confesarse", etc.


Por Veiga